Thierry Lefort - New Wave Magazine
Thierry Lefort à la Galerie 33
La Galerie 33 de l'Hôtel Georgian présente une nouvelle exposition personnelle de l'artiste français Thierry Lefort, en collaboration avec la Villa Albertine, Yoyo Maeght et la Show Gallery. Une sélection d'œuvres est également visible à la Résidence du Consul Général de France à Beverly Hills. Connu pour son approche méditative et sa maîtrise des tons subtils, Lefort dévoile pour cette exposition sa saisissante Série Bleue aux côtés du Bleu Californien Lefort , un pigment sur mesure créé pour LeFranc Bourgeois (l'historique maison de peinture française) et inspiré par la lumière unique de Los Angeles.
Cette exposition marque sa deuxième exposition personnelle à Los Angeles, offrant une vision poétique mais non conventionnelle des paysages de la ville.
Votre série Bleue présente une vision très personnelle de Los Angeles. Qu'est-ce qui vous a attiré vers Los Angeles comme sujet et quelles sensations souhaitiez-vous capturer ?
Je veux capturer les coins les plus uniques et les plus intimes de Los Angeles, pas les lieux touristiques et je veux montrer des choses et des coins que les gens ne voient pas ou ne connaissent pas de la ville en général.
Vous mettez souvent en valeur des moments du quotidien : rues désertes, formes architecturales, lumière fugace. Comment choisissez-vous les aspects de la ville qui deviennent le centre de vos peintures ?
Je choisis chaque sujet de mes peintures, et ce n'est généralement pas un seul lieu que je représente, mais plutôt une multitude d'éléments uniques qui le rendent unique et spécial. Je me promène beaucoup en ville et je m'en inspire. La lumière elle-même détermine le lieu qui sera important pour moi. C'est elle qui crée le contraste, et ce qui m'intéresse, c'est de trouver un juste équilibre entre lumière et obscurité. C'est une sensation unique que j'éprouve lorsque je perçois les contradictions de Los Angeles, et je les représente dans les contrastes entre couleurs claires et sombres de mes œuvres.
C'est intentionnel, car je n'extrapole que les éléments que je trouve intéressants pour mes œuvres et ceux sur lesquels je souhaite attirer l'attention du spectateur. La plupart du temps, il n'y a pas d'humains dans mes tableaux, car je souhaite que le spectateur soit le sujet de mes œuvres et s'imagine se promener dans la zone que j'ai représentée. D'ailleurs, la fresque que j'ai réalisée sur le mur de Burbank en est un parfait exemple : en marchant le long de la fresque, on peut vraiment s'y imaginer. À l'avenir, je pourrais aussi peindre des humains, mais il est fort probable qu'ils soient le seul centre d'intérêt de mes tableaux, et non un simple élément supplémentaire.
Comment la calligraphie chinoise a-t-elle influencé les gestes et la structure de votre travail ?
La calligraphie chinoise a inspiré mon geste, la profondeur et la répétition de mon coup de pinceau, la respiration qui rythme ma peinture ; elle m'aide à me concentrer longtemps. À 16 ans, je me suis d'abord familiarisé avec la calligraphie et avec les estampes japonaises que je découvrais dans les livres et les illustrations. J'étais particulièrement fasciné par les œuvres et l'art de Hokusai, Utamaro et Hiroshige.
L'attachement de Cézanne à la sensation et à la structure est souvent évoqué en lien avec votre art. Comment réinterprétez-vous ses leçons pour les paysages d'aujourd'hui ?
J'aime Cézanne parce qu'il se laissait guider par ses sensations lorsqu'il peignait en plein air. La manière dont il ressentait ce qu'il voyait prenait le pas sur le sujet lui-même ; il apportait ses propres sensations sur la toile. Parallèlement, il faisait entièrement confiance à la nature et se tournait vers elle pour lui procurer ces sensations uniques. Il a également laissé une porte ouverte à son héritage avec ses études sur les sphères, les cônes, les cylindres et la vision concentrique, le point gris. Plus important encore, il a tenté de décortiquer la dualité entre forme et coup de pinceau. J'ai lu de nombreux textes de Gill de Louze, qui a beaucoup écrit sur Cézanne et s'est concentré spécifiquement sur son processus de création. Selon Cézanne, pour faire un bon tableau, il faut s'y perdre et s'y perdre, et c'est ce qu'il a fait. Comme Cézanne, j’ai aussi beaucoup peint « en plein air » et à ce jour je continue à m’inspirer de la Nature mais pour aller encore plus en profondeur et vraiment m’immerger dans mes œuvres, je les termine dans mon atelier pour les construire et vraiment travailler en profondeur leurs nombreuses couches et pour travailler davantage chaque composition.
Vos peintures semblent minimalistes mais profondément complexes. Comment conciliez-vous simplicité et complexité dans vos compositions ?
La principale implication est le résultat de la complexité. Ma façon de peindre peut paraître simple en apparence, mais simplifier est très compliqué. Je m'explique : si ma façon de dessiner est simple, je dois ajouter une couche de complexité par la couleur. Tout est une question d'équilibre : simplifier une couche du tableau revient à complexifier la suivante, et je le fais par la couleur. Si je continuais à simplifier, il ne resterait plus rien, mais j'ai choisi d'ajouter cette complexité, cette vivacité et cette richesse par la couleur.
Votre travail a été décrit comme méditatif et zen. Considérez-vous la peinture comme une forme de pleine conscience ou de pratique spirituelle ?
Je dirais que la peinture est en fait les deux pour moi : elle est très spirituelle, car j'aimerais être conscient de tout ce qui m'inspire afin d'avoir une vision supérieure des choses. J'essaie de simplifier la réalité en préservant ce qui est beau et en adoptant une vision supérieure des choses. En général, j'essaie d'être instinctif : je n'ai pas beaucoup de rituels, et dès que j'en repère un, j'essaie de le changer. J'ai besoin de me laisser porter par le moment.
Nombre de vos œuvres explorent la tension entre lumière naturelle et artificielle. Quel rôle joue la lumière dans votre vision artistique ?
Je m'intéresse à la lumière, mais ce qui me fascine vraiment, ce sont les ombres qu'elle crée. Par exemple, lorsque la lumière frappe un mur, je m'intéresse à ce que le mur renvoie et aux ombres qu'il projette sur nous. Je m'intéresse à la façon dont les objets vont être enveloppés par cette atmosphère unique et singulière créée par la lumière.
En repensant à votre carrière, de Paris à Tokyo en passant par Los Angeles, comment pensez-vous que votre style a évolué ?
Au fil des ans, mon style a évolué et s'est complexifié, recherchant cette simplicité. Je recherche l'essence même des choses, et c'est là que réside leur force. Je m'efforce d'éliminer de mes peintures tout ce qui pourrait les affaiblir et détourner l'attention de l'essence même du sujet. Lorsque j'ajoute quelque chose d'inutile à une toile, je ressens une tension inutile ; je commence donc à supprimer ce qui me semble en être la cause. Chacune de mes toiles est liée à la suivante que je vais commencer, et je m'intéresse toujours davantage à la suivante ; non pas à celle sur laquelle je travaille actuellement, mais à celle que je ferai demain. Je suis en constante évolution : comme l'eau dans un ruisseau, et j'ai appris cela en Chine.
Qu’espérez-vous que les spectateurs ressentent ou expérimentent lorsqu’ils se tiennent devant l’une de vos peintures ?
J'espère enrichir le spectateur en lui présentant un aspect inconnu de la couleur et de la forme. J'espère lui insuffler un sentiment d'épanouissement, une forme de spiritualité, un souffle de nouveauté et une envie d'évasion. J'aime découvrir de nouvelles choses. J'aime transformer la réalité : je la déforme et j'en tire quelque chose de nouveau. La réalité est pour moi comme un tremplin et, comme Cézanne, je reviens toujours à la nature, ma principale source d'inspiration.
Y a-t-il des sujets ou des thèmes que vous n’avez pas encore explorés mais qui vous intéressent à l’avenir ?
Curieusement, les sujets, comme les humains, ne m'intéressent pas particulièrement. Je préfère m'intérioriser, et le sujet que je peins n'est qu'un prétexte pour explorer ce qui a du sens pour moi. À l'avenir, j'aimerais expérimenter de plus grands formats et des associations de couleurs multiples, des domaines que je n'ai pas encore abordés. Pour l'instant, j'ai l'impression de ne pas en avoir fini avec Los Angeles et de devoir encore en extraire des éléments. Los Angeles, c'est comme les Nymphéas de Monet ou la Sainte-Victoire de Cézanne : Los Angeles est mon obsession, elle reste une question ouverte et, pour l'instant, elle continue de m'inspirer.